Por qué el director de ‘El teléfono negro’, Scott Derrickson, volvió al terror tras ‘Doctor Strange’

Scott Derrickson sabe de terror, como confirmó magníficamente con la película de 2012 Sinister, un thriller de demonios, adolescentes secuestrados y pesadillas de celuloide. Tras su paso por la dirección de Doctor Strangevuelve a tratar esos temas espeluznantes de forma igualmente inquietante con El teléfono negrosu nueva película sobre un secuestrador de niños llamado El Agarrador que encarcela a los niños en una cámara del sótano (con un misterioso teléfono negro que suena a pesar de tener el cable cortado) mientras lleva una de las máscaras más aterradoras del cine de todos los tiempos. El psicópata que se esconde tras esa fachada es el de Derrickson Sinister de Derrickson, Ethan Hawke, y su colaboración sigue dando inquietantes dividendos. Basada en el relato homónimo de Joe Hill de 2004, su última colaboración resulta ser un inquietante asunto de época sobre los abusos, la venganza de ultratumba y la necesidad (y la capacidad) de los niños de defenderse y luchar contra quienes están decididos a hacerles un grave daño.

El teléfono negro es una prolongación de las preocupaciones favoritas de Derrickson, además de confirmar su estatus como uno de los pocos directores de Hollywood capaces de elaborar películas únicas que ponen los nervios a flor de piel, por no hablar de la eficacia de los sustos. Derrickson (en colaboración con el guionista C. Robert Cargill) se centra en las ansiedades de los padres, las vulnerabilidades de la infancia y los traumas generacionales para crear un intenso suspense, y ofrece una amenaza a raudales, en parte gracias a la atención que presta a la inolvidable cara de su villano, un rostro (diseñado por Tom Savini) marcado por una monstruosa sonrisa de oreja a oreja que pondría celoso incluso al Joker. Gracias tanto al director como a su estrella, The Grabber se siente como un candidato inmediato para el panteón de las películas de miedo modernas.

Por delante de El teléfono negroen el Festival de Cine de Tribeca de este año -ya está en los cines-, hablamos con el cineasta sobre su afición a filtrar el terror a través de una lente de Super 8, la creación y el diseño de la máscara de su asesino, y si el género de terror ofrece más libertad que el cine de franquicia.

Entre esto y Sinisterparece que te gusta mucho el Super 8 como formato para tus pesadillas. ¿De dónde viene eso?

Rodamos con cámaras Bolex de Súper 8, y sí, tengo un verdadero amor por ese formato. En primer lugar, mi padre tenía una cámara de Súper 8 cuando yo era un niño, y creo que gran parte de mi amor por el cine empezó cuando jugué con esa cámara. No me interesaban mucho las cámaras de vídeo que aparecieron más tarde, en los años 80. Pero la vieja cámara de Super 8 de mi padre… solía utilizar el dinero de mi ruta de papel para comprar película de Super 8 y rodar pequeñas películas. Me encantaba su aspecto. Me encantaba cómo se sentía. Y lo que realmente me gusta de la película de 8 mm es que los materiales de la película son todos muy diferentes, por lo que en ambos Sinister y El Teléfono Negro, probé muchas de las diferentes existencias de Kodak Super 8 para lo que utilizaríamos en cada una de las secuencias.

Especialmente cuando el Super 8 se proyecta en un gran cine, parece mágico. No se parece a nada más. El grano y la calidad que adquiere a ese tamaño es tan distintivo. Y personalmente -y tal vez sea porque mi infancia estuvo tan marcada por el miedo-, la película de Súper 8 me parece espeluznante. [laughs]. Creo que si encuentras una película de Súper 8 que tu abuela tiene en su armario y la pones, va a haber algo espeluznante en ella. Así que tengo un verdadero afecto por eso en el género, seguro.

Hablando de espeluznante, The Black Phonees, sin duda, la máscara de El Agarrador, creada por Tom Savini y Jason Baker. ¿Cómo surgió el diseño?

Sabía que tenía que ser [the signature element]. Y no me di cuenta hasta que estaba en la preproducción. No hay ninguna máscara en la historia de Joe, así que en el guión describimos al Agarrador como si tuviera dos máscaras: una que es una vieja máscara de diablo curtida con una sonrisa, y luego una vieja máscara curtida con el ceño fruncido, y eso fue todo. Después de hacer el casting de Ethan Hawke, pasaron dos cosas. En la preparación, me di cuenta de que, en primer lugar, tengo a Ethan Hawke, y me gustaría poder ver algo de su cara en algún momento. Eso me llevó a pensar en las propias máscaras, y en cómo la gente iba a vender la película basándose en lo buena que era la máscara. Me di cuenta: estas máscaras tienen que ser icónicas. Entonces, pensé, ¿cómo podemos avanzar más allá de Michael Myers, más allá de Jason, más allá de Ghostface? La idea se convirtió en, ¿qué pasa si tenemos¿tres máscaras? Tiene tres máscaras, ¿y si pudiera desmontarlas? ¿Y si se dividen, de modo que pueda llevar la pieza superior o la inferior de cualquiera de esas máscaras? Eso crea nueve versiones diferentes de lo que el Agarrador puede usar en cualquier escena.

Eso se convirtió, conceptualmente, en algo muy emocionante para mí. Luego se convirtió en una máscara de sonrisa, una máscara de ceño fruncido y una máscara sin boca, sin expresión, todo dividido por la mitad. Se me ocurrió ese concepto, y me referí a Tom Savini El hombre que ríe para la mueca de la máscara de la sonrisa, y eso fue realmente todo. Le di todo eso no sólo a Tom, sino a cinco empresas de efectos diferentes que son expertas en la fabricación de máscaras, siendo Tom el más veterano y la leyenda viviente que es. Esperaba que una de las empresas más jóvenes aportara algo innovador, pero todas me dieron el arte conceptual. Tom me dio el arte conceptual más sencillo, que no era más que un boceto de las tres máscaras, divididas por la mitad. En cuanto lo vi, me dije: “Dios mío, eso es”. Lo que dibujó en un solo dibujo es lo que hicimos. Una vez que tuve el dibujo, el reto se convirtió en: cuál es la textura, cómo se siente, qué tan desgastada está, qué edad tiene, ese tipo de cosas. Jason Baker y yo trabajamos durante mucho tiempo en su construcción. Durante la preproducción, fue fácilmente la cosa en la que pasé más tiempo. Creo que tenía la idea, pero era el dibujo de Savini el que tenía todo el poder, y entonces me dije: “¡Tiene que ser igual que el dibujo de Tom!”

Has trabajado con Ethan Hawke antes, pero este es obviamente un papel muy diferente al suyo Sinister protagonista. ¿Fue fácil convencerle de que se apuntara a un papel de villano, y cómo fueron vuestras conversaciones sobre El Agarrador, que -a pesar de su aterradora máscara- no es el típico villano de demonio rampante?

Para conseguir que hiciera la película, le llamé y le dije: tengo un nuevo guión y me encantaría que hicieras el papel de villano. Y le dije, probablemente no querrás, porque es un sádico asesino de niños, y está en una máscara todo el tiempo, así que no veremos tu cara. Me dijo, probablemente no lo haré, porque realmente no interpreto villanos. Dijo que tiene que ser un verdadero Jack Nicholson enEl Resplandor pero envíame el guión y lo leeré de inmediato. A la mañana siguiente, me dejó un mensaje de voz con la voz de El Agarrador, diciendo una de las líneas del guión. Ese espeluznante mensaje de voz fue su forma de decirme que iba a hacerlo. Así que le di el guión y, basándome en eso y en la buena experiencia que tenía en Sinisterdijo que sí.

Sorprendentemente, no hablé mucho con Ethan sobre el personaje. Sentí que darle las máscaras era lo principal que tenía que hacer. Me aseguré de que las viera antes, y sabía que cuando las viera formularía muchas de sus ideas sobre cómo interpretar a este personaje. Creo que lo que está en el guión y que él recogió, pero luego construyó muchas capas sobre él y formó un papel más grande de lo que habíamos escrito, fue que me dijo antes de empezar a rodar, sé que una de las formas en que esto va a funcionar es que tengo que dejar que la máscara haga el trabajo que hace la máscara. Y yo dije, ¡sí, exactamente! Sabía lo que quería decir con eso, que es: la máscara es intimidante, la máscara da miedo, la máscara es aterradora. Así que no tenía que trabajar para que su actuación fuera aterradora, porque la máscara ya lo hacía.

En cierto modo, me di cuenta de que la máscara era una forma de que el Agarrador fuera él mismo; una forma de que fuera vulnerable, casi. Ethan me dio diferentes versiones de las líneas a lo largo del rodaje, pero la línea de base principal es la que se ve en la película, y cuando lo corté todo, ni siquiera miré ninguna de las tomas alternativas que hizo. Me dije: esto es todo, este es el personaje. Llegó y entendió perfectamente cómo hacerlo. La otra idea simple era, tenemos a Michael Myers, tenemos a Jason Vorhees, tenemos a Ghostface-¿qué tal un asesino icónico de máscara que es muy hablador? Eso me pareció una buena idea.

La película nunca profundiza en la historia de El Agarrador ni explica el teléfono negro en sí. ¿Es vital en una película de terror abrazar lo desconocido e irracional?

Sí. Para la creación de un buen villano de terror icónico, creo que es un requisito. El Joker de Heath Ledger es un tipo con una máscara, esencialmente, y cuando le dice a la gente a la que aterroriza: “Queréissaber cómo me hice estas cicatrices?”, ¡la respuesta es no! Quiero escuchar las múltiples mentiras. Quiero escuchar cinco versiones diferentes, así que nunca vamos a saber cómo te hiciste esas cicatrices. Eso da más miedo, porque te hace inferir o imaginar algo, y lo que puedas inferir o imaginar o simplemente sentir es lo peor posible. Imagina que hubiera una escena en El silencio de los corderos que explicara por qué Hannibal Lecter come gente? Arruinaría a ese villano. Hay misterio que se necesita, y hay misterio en personajes como este.

Cuando probamos la película, todos los espectadores dijeron que querían saber más sobre el Agarrador. El estudio me preguntó si al menos podías intentar escribir algo que pudiéramos volver a rodar para explicarlo mejor. Y dije que no, que no lo haría. Dije que era estupendo que quisieran saber más sobre el Agarrador, que era maravilloso. Pero dije que si explicas quién es, va a ser mucho menos interesante.

Hiciste esta película después de Doctor Strange. ¿Existe una mayor libertad creativa -o buscaba más libertad- al trabajar en un proyecto “original” sin franquicia como éste?

No especialmente. Se trata de la historia que quería contar. Cuando hice la primera Doctor Strangetuve la suerte de hacer una película de Marvel que no tenía que relacionar con nada del MCU. Es una película independiente sin otros personajes del MCU o referencias al MCU. Eso fue maravilloso. El proceso de trabajar con Kevin Feige en particular fue realmente maravilloso. Es un artista. Es el único productor, y definitivamente el único jefe de estudio que conozco, que diría que se somete al tortuoso proceso que hace un artista, en un intento de hacer que la cosa sea lo mejor posible. Fue un gran socio creativo, y la película era tan grande que trabajar con él era como trabajar con [C. Robert] Cargill. La hacíamos juntos y era muy orgánica, y no se sentía para nada constrictiva.

Pero la diferencia es que cuando vas a hacer algo como The Black Phone y tienes un productor protector como Jason Blum -que respalda cualquier cosa que yo quiera hacer; nunca me ha obligado a cambiar nada que yo no quisiera-, eso te da una sensación de autonomía que es una especie de satisfacción diferente. La satisfacción de que todo depende de ti, y de que vas a vivir y morir completamente con tu propia espada. Hay una especie de control, precisión y limpieza en el resultado final que sólo puede darse cuando se permite a un cineasta ejecutar su propia visión a la perfección.

¿Qué tan difícil es conseguir una película de terror como El teléfono negro en Hollywood hoy en día? ¿Es el terror el único género en el que todavía se valora la originalidad, ya que, después de todo, no hay nada que dé más miedo que algo nuevo?

Creo que sí, pero creo que la razón más importante es que es un género que gusta a la gente y es popular, y es un género por el que la gente sigue yendo a los cines. Van a ver películas de eventos y van a ver terror. A la gente le gusta ver terror en el cine. Y el hecho de que se pueda crear una experiencia visceral realmente intensa para el público sin gastar mucho dinero es la razón por la que el terror invita a la innovación. Sin embargo, sigue siendo muy difícil llegar y crear una historia con imágenes o un concepto que sea lo suficientemente potente como para que el público diga: “Genial, me encanta esto, hagamos cinco más”. Pero lo hicieron con Un lugar tranquilo. Esa fue una película increíble, y la secuela me pareció bastante buena, y estoy seguro de que habrá más de esas. Así que es más fácil hacer nacer una franquicia en el terror que en cualquier otra cosa, simplemente porque probablemente tienes más oportunidades debido al gasto.

Una cosa que distingue a tus películas de terror es la eficacia de los jump scares. ¿Cuál es el secreto para que uno funcione?

Es un poco como contar un chiste: o tienes habilidad para ello o no la tienes, ¿sabes? Es algo difícil de entender. Sólo sabes cómo hacerlo si sabes cómo hacerlo. Pero creo que parte de ello es ser capaz de desafiar las expectativas del público para que llegue cuando realmente no se espera que ocurra nada parecido, y no presagiarlo, o presagiarlo y alargarlo lo suficiente sin que sepan lo que va a ocurrir. Pueden sentir, oh hombre, que algo está a punto de suceder-eso fue el susto de la cortadora de césped en Sinister. Eso fue, creo, la linterna moviéndose a través de la habitación en El Teléfono Negro. Sabes que algo malo va a pasar, pero no tienes ni idealo que va a ser. Así que creo que, o bien eso, o bien algo que sale literalmente de la nada en una escena en la que el público no esperaba que pasara nada de miedo, son los dos trucos necesarios del oficio.