Elvis Mitchell explora con emoción la edad de oro del cine negro en ‘Is That Black Enough for You?

No esperaba que ninguna otra experiencia cinematográfica de este año superara mi alborotada proyección de Don’t Worry Darling el día del estreno. Entonces vi el estreno de Is That Black Enough for You?un nuevo documental de Netflix que analiza el legado del cine negro de los años 70, en el Festival de Cine de Nueva York del mes pasado. A juzgar por los esporádicos vítores y aplausos del público -así como por un hombre a mi izquierda que estaba literalmente al borde de su asiento-, se podría pensar que estábamos viendo un evento deportivo y no una película de no ficción de 135 minutos sobre el racismo en Hollywood.

Esa reacción fue totalmente apropiada, teniendo en cuenta que uno de ¿Es lo suficientemente negro para ti?es que la representación de los negros en el cine no sólo es importante, sino también estimulante.

Cuando le comenté a Elvis Mitchell, director y guionista del documental, la respuesta del público a través de Zoom, se quedó gratamente sorprendido. (Supuse erróneamente que se había sentado entre el público después de presentar la película en la proyección del NYFF). Sin embargo, es el contagioso entusiasmo de Mitchell y su ardiente voz como narrador lo que hace que ¿Es lo suficientemente negro para ti? que ahora se puede ver en Netflix, sea tan eficaz y catártica.

Producido por David Fincher y Steven Soderbergh, el documental es una visión general de una década emocionante e influyente del cine negro que a menudo se reduce inexactamente a la etiqueta de “Blaxploitation” por parte de los estudiosos del cine, cinéfilos e instituciones artísticas, es decir, cuando no se ignora por completo. Cuando se habla del ímpetu para hacer ¿Es lo suficientemente negro para ti? en la sesión de preguntas y respuestas del estreno, Mitchell se refirió a la obra seminal de Peter Biskind de 1998 Raging Bulls, Easy Riders: Cómo la generación del sexo, las drogas y el rock salvó a Hollywood sobre el mismo periodo de tiempo y cómo pasa por alto las contribuciones de los cineastas negros. Asimismo, una buena parte de su película explica el impacto de películas como Shaft, Super Fly, y Sweetback’s Baadasssss Song fueron a esa época, desde el marketing hasta el vestuario y las secuencias de créditos iniciales.

La aguda perspectiva de Micthell como conocedor del cine y hombre negro, cuya identidad ha sido históricamente degradada por el medio, guía el documental, conformando un riguroso análisis de la historia del cine y una carta de amor personal a los artistas negros. Mientras que la película crea una línea de tiempo desde el clásico minsterley de la era de Hollywood hasta el fracaso financiero de 1978 El Magola película abandona ocasionalmente esta estructura cronológica para centrarse en ciertas coyunturas críticas, como la obra cinematográfica muda de Oscar Micheaux, o la película experimental de William Greaves de 1968 Symbiopsychotaxiplasm: Take One. Además, la película cuenta con algunos comentarios incisivos, divertidos y brutalmente honestos de Whoopi Goldberg, Samuel L. Jackson, Charles Burnett, Mario Van Peebles, Zendaya y Harry Belafonte, entre otras figuras del Hollywood negro.

El documental mantiene una energía enérgica y desenfadada, y en una reciente conversación a través de Zoom, Mitchell está tan lleno de interesantes pepitas y digresiones sobre el cine negro y la cultura pop como lo está a lo largo de la película. El respetado periodista y presentador de The Treatment habló con The Daily Beast sobre su viaje de crítico de cine a cineasta, una posible adaptación de un libro y si el cine negro está siendo más reconocido en un mundo posterior a Black Lives Matter.

En la sesión de preguntas y respuestas después de la proyección en el NYFF, usted dijo que había intentado inicialmente presentar la idea de este documental como un libro y que fue rechazado por los editores. Tras el éxito de la película, ¿sigue interesado en explorar el tema como libro?

Si eso fuera una posibilidad, sí. Desde luego, respondería a ello. Pongámoslo así: no perdería ninguna comida esperando que eso ocurriera. Citando a Austin Powers, creo que ese tren ya ha zarpado. Y por eso creo que tengo que hacer esto, y eso es lo que más me alegra. Porque ya he mencionado esto antes, que lo divertido de hacerlo como una película es que puedo utilizar todas las herramientas que este medio tiene para ofrecer, es decir, elegir clips que no son el tipo de cosas que normalmente vemos, como explicar lo que esa secuencia de persecución en Superfly significó y cómo se escenificó y por qué era importante. Comienza a plantearse la cuestión de qué haría yo con un libro. Supongo que podríahablar de un montón de cosas que no tuve la oportunidad de hacer.

Por ejemplo, dejo este hilo para quien lo sepa: dos de los mayores espectáculos de los 70 se inspiraron en películas [from] de esta época. Norman Lear y su socio productor Bud Yorkin vieron Cotton Comes To Harlem, vieron a Red Fox vestido de viejo chatarrero y dijeron: “Acabamos de comprar este programa británico del que estamos intentando hacer una versión americana llamado Steptoe and Son. ¿Así que estarías interesado en interpretar a un chatarrero?” Así que eso se convierte en Sanford and Son. Y entonces Cooley High se convierte en el espectáculo ¡¡Qué está pasando!!. Así que hay muchas cosas en las que podría haber entrado y que no he podido explicar. Y si el libro llega, tal vez termine autopublicándolo.

¿El proceso de rodaje le resultó más fácil o más difícil de lo que esperaba?

Bueno, no fue más fácil [laughs]. Pero lo que he aprendido sobre esto es que si estás rodeado de gente estupenda, ellos se darán cuenta si algo es un problema. Hubo algunos problemas. Tuvimos que conseguir cierta licencia. Una secuencia que construimos juntos basada en la obtención de un determinado clip o pieza musical, y alguien decía: “Oh, no, puedes tener eso” por cualquier razón. Y eso, para mí, se convirtió en una parte apasionante del proceso. Me dije: “Oh, no me extraña que la gente ame la posproducción”, porque realmente ves las posibilidades que hay. Tenía miedo de no ser capaz de afrontar el reto. Pero, en cambio, fue estimulante tener un nuevo conjunto de instrumentos para resolver problemas.

Ya he dicho antes que había una secuencia. Y pensé: “Dios mío, no podemos hacer esto”. Y tanto Fincher como Soderbergh dijeron: “Ese es un momento de la película. ¿Por qué lo quitas?” Y yo dije, “Oh, ustedes hacen este tipo de cosas a propósito.” No sucede simplemente. En realidad tienen deliberación en estas formas. Y eso fue maravilloso.

¿Cuánto tuvo que investigar para la película en comparación con lo que ya sabía como estudioso del cine?

Es curioso, porque muchas de las cosas surgieron en el transcurso de mi vida y en piezas que iba a escribir y que no llegué a escribir para una publicación. Soy coleccionista de vinilos, así que no paraba de comprar discos. También colecciono carteles. Había acumulado lo que era, de hecho, material de investigación. Y siempre he llevado cuadernos y diarios y he escrito pensamientos e ideas que tenía. Y cuando estaba en la cena con Toni [Morrison]ella empezó a hablar de Pam Grier y a coger servilletas de otras mesas y a anotar cosas. Así que esta acumulación de mis intereses acabó siendo una recopilación oculta e inadvertida de la investigación.

En este documento, abarcas muchas películas e incluso tocas otros puntos de la cultura pop anteriores a los años 70. ¿Cómo supiste cuándo querías parar?

El período de tiempo lo hace mucho más fácil, del 68 al 78. Así que tratarlo como una especie de calendario me dio un punto de partida. Lo que me pareció más difícil fue tratar de construir una estructura, como si hubiera un ascenso a un clímax y luego el ciclo de descenso cuando empezamos a darnos cuenta de que los estudios realmente no tienen fe. No tienen fe en nada más que en las películas de acción negra. No hubo un impulso real para una película como Sparkleque tiene una de esas fenomenales partituras de Curtis Mayfield -de nuevo, cinco partituras en 10 años. ¿Quién escribe cinco partituras en 10 años?

Así que, tener esto hasta 1978 y ser capaz de terminar con la esperanza, no sólo la esperanza, el optimismo que creo que una obra de arte como Asesino de ovejas evoca, piensas, esto es en sí mismo un clímax. Es uno de los mejores momentos del cine de los 70. Pero creo que tenía que terminar con el regreso a Sidney. Y había preguntas. ¿Qué papel tiene Sidney Poitier en todo esto? Y pensé que no valía la pena si no podía ofrecer algo sobre Sidney. Luego me di cuenta de que él me lo dio. Y podría usar eso, y esa es una manera de terminar.

Después de BLM, las plataformas de streaming y las bibliotecas cinematográficas como The Criterion Channel, Netflix y Hulu han impulsado la difusión de películas negras, tanto contemporáneas como estas joyas ocultas más antiguas que incluyes en el documental. ¿Ha notado una mejora en la forma en que estas instituciones se comprometen con el cine negro, o sigue observando una falta de curiosidad?

Creo que los lugares que realmente guían e influyen en el gusto de la gente, como Criterion y Netflix, cuando este tipo de películas aparecen en Criterion, la gente dice: “Oh, deben ser importantes”. Porque a menudo la gente no sabe lo que es “importante”. Y Criteriondándoles ese verdadero sello de aprobación que significa algo. Pero también ofrecerlos en una plataforma como Netflix a la que todo el mundo acude hace que la gente diga: “Oh, esto merece mi tiempo”. Así que todas estas cosas son importantes. Creo que mientras haya acceso, creo que eso engendra curiosidad. Y con la curiosidad, movemos a alguien a hacer la siguiente película o hacer la siguiente cosa.