Ben Gibbard, de Death Cab for Cutie, es el fan número uno de ‘I Think You Should Leave’

Yueden pensar que después de 25 años y 10 álbumes de estudio, se puede tener a una banda bastante bien definida. Pero en el caso de los héroes del indie-rock Death Cab for Cutie, eso no es tan sencillo. Después de su primer álbum de 1998, Something About Airplanesde 1998, se las arreglaron para subir de nivel constantemente con un catálogo de himnos que definen la época y son adorados por los millennials, y de paso se aseguraron un contrato con un gran sello discográfico, un avance en la corriente principal gracias en gran parte a The O.C.y una serie de nominaciones a los Grammy (por no mencionar el proyecto paralelo del líder Ben Gibbard, The Postal Service, de corta duración pero muy querido).

La última década ha sido un poco más agitada para Gibbard y compañía, con algunos cambios en la formación y lanzamientos controvertidos, pero han vuelto a pisar fuerte con su inminente décimo álbum de estudio, Asphalt Meadows, que saldrá a la venta el 16 de septiembre. La continuación del álbum de 2018 Thank You For Today, el disco encuentra a Gibbard preocupado por lo rápido que se mueve el tiempo y cómo todos tenemos una cantidad finita de él (ver: los singles principales “Roman Candles” y “Here to Forever”). Por otra parte, reflexiona sobre el amor desperdiciado y poco fiable en “Pepper” y “Asphalt Meadows”, da rienda suelta a su desgarradora nostalgia por “las guerras del punk” en “I Miss Strangers”, y continúa con su aparente afinidad por escribir canciones sobre la conducción en “Wheat Like Waves” y la magníficamente dorada “Rand McNally”, que lleva el nombre de los ahora nugatorios libros de atlas de carreteras.

En otras palabras, se trata de Death Cab cantando sobre cosas clásicas de Death Cab, aunque con una perspectiva ganada a pulso y una pronunciada madurez. Sin embargo, donde las cosas empiezan a ponerse interesantes es en la forma en que suenan estas canciones, ya que la banda -compuesta por Gibbard, Nick Harmer, Jason McGerr, Dave Depper y Zac Rae- continúa expandiéndose mucho, mucho más allá de sus raíces indie-rock impulsadas por la guitarra.

“Ciertamente, después de 25 años, ¿quién quiere hacer el mismo disco una y otra vez? Es jodidamente aburrido seguir usando la misma paleta para cada álbum porque tienes miedo de probar algo nuevo”, dijo Gibbard recientemente a The Daily Beast vía Zoom desde Chamonix, Francia, donde ha estado pasando tiempo haciendo senderismo y corriendo por los senderos con amigos antes de la gira norteamericana de Death Cab este otoño.

A continuación, Gibbard habla de cómo trabajar con el productor John Congleton le empujó a un nuevo territorio “incómodo”, escribiendo una canción totalmente hablada, y su amor sorprendentemente profundo por la serie de comedia de sketches de Netflix de Tim Robinson Creo que deberías irte.

En primer lugar, feliz cumpleaños atrasado. Dado que la ansiedad por el paso del tiempo parece ser un tema importante en este nuevo disco, tenía curiosidad por saber cómo afrontas los cumpleaños y el envejecimiento en general.

Me siento bien con ello. Supongo que estar en la mitad de los cuarenta no se siente como pensé que se sentiría en la mitad de los cuarenta. Ha sido refrescante llegar a este punto de la vida y darme cuenta de que todavía hay mucho que aprender. Todavía hay mucho que experimentar. Creo que también ayuda el hecho de que tenga 46 años y siga haciendo lo que empecé a hacer cuando tenía 21 y que la gente, por la razón que sea, siga interesándose. Y sigo hablando con gente como tú sobre los nuevos discos y la gente compra entradas para los conciertos. Llegué a esta edad con una increíble cantidad de gratitud por el hecho de haber podido vivir la vida que tengo. Es muy difícil quejarse de envejecer cuando puedes hacer exactamente lo que quieres.

Y ahora Death Cab for Cutie cumple 25 años. ¿Qué crees que pensarías tú de hace 25 años de la banda y de dónde estáis ahora?

Creo que mi mundo -las cosas que escuchaba, la música que quería crear- era mucho más estrecho hace 25 años. Mis expectativas sobre lo que era posible eran increíblemente escasas. Cuando empezábamos, nuestros héroes eran el tipo de bandas que podían vender entre 10 y 20.000 discos, dejar de trabajar y salir de gira durante un mes en verano. Y tal vez, si tenían un calentador, podrían ganarse la vida a duras penas durante un corto período de tiempo antes de que la brutalidad de la economía de la música independiente se les viniera encima.

Así que estoy seguro de que yo mismo, cuando tenía 21 años, estaría sorprendido de que todavía estuviéramos en marcha. No estoy seguro de cuánta de la música que hemos hecho en los últimos 25 años le gustaría a esa persona, porque la esfera de la música que me está influenciando no eran cosas que necesariamente escuchaba entonces. Pero esperaría que esa persona se divirtiera al menos con la trayectoria de su carrera.

No crees quele encantaría la música que Death Cab está haciendo ahora?

Creo que, por ejemplo, no me gustaba ninguna música de más de 100 BPM [beats per minute] cuando tenía 21 años. Así que la idea de tener una canción rápida era un anatema para mi forma de escribir música. No es tanto que se avergonzara de la música, sino que decía: “¿Por qué hay tantas canciones rápidas en este disco? La música rápida no mola, sólo la lenta”.

Eso es muy gracioso. Y es definitivamente cierto en este álbum en particular, teniendo en cuenta que trabajaste con John Congleton en él. Una vez leí una entrevista con St. Vincent en la que describía su estilo de producción como hacer canciones “con colmillos”. ¿Hubo algo en el hecho de trabajar con él que sacara un lado más ruidoso o agresivo de la banda?

Creo que gran parte del material que llegaba iba en esa dirección. Pero una de las muchas cosas asombrosas de John es que es realmente experto en ver la dirección que estás tomando y luego empujarla más allá en un área que podría hacerte sentir incómodo. Cuando le enviamos las primeras maquetas y otras cosas, nos decía, de la forma más suave posible, “Voy a querer empujaros sónicamente más allá del punto en el que se encuentra esta maqueta para llevarla a cabo”. Y creo que, para nuestro crédito, estábamos como, “Absofuckinglutely”. Estábamos enfatizando con él desde un punto muy temprano, no queremos que sugieras cosas y nos sintamos incómodos con ellas y luego terminamos haciéndolo como lo hubiéramos hecho antes.

Y si se me permite el atrevimiento, yo tenía mucha confianza en la calidad de las canciones que teníamos. Todos lo estábamos. A diferencia de otros discos que habíamos hecho, en los que llegábamos con un lote de canciones y decíamos: “De acuerdo, sabemos que tenemos cinco o seis canciones que son un éxito, y con suerte podemos arreglar el resto en la producción o podemos hacer que esta canción sea especial con algún tipo de truco”. Sabíamos que teníamos un buen lote de material, y sólo era cuestión de dejar a John libre y que hiciera lo que quisiera con ellos.

Mencionaste que te presionó sónicamente. ¿Puedes pensar en una canción específica en la que haya hecho eso por ti?

Bueno, “Roman Candles” es el mejor ejemplo de ello. Cuando estaba terminando la última tanda de canciones para el disco a finales del año pasado, empecé a darme cuenta de que, como ocurre con muchas de nuestras canciones, eran cinemáticas y serpenteantes en algunos puntos y se tomaban su tiempo para llegar a su destino: largos outros, intros, cosas que solemos hacer. Me di cuenta de que quería una canción que te golpeara en la cara durante dos minutos. No teníamos nada que fuera corto, al grano, rápido y fuerte. Así que escribí “Roman Candles”, y la escribí alrededor de un bucle de esta banda alemana Faust, que me encanta.

Y lo que John haría en el estudio sería como, “No vamos a utilizar esa muestra. Vamos a construir algo más”. Y el desarrollaba este sonido de bombo que era muy agresivo y abrasivo. Y tomando decisiones como, “Todas estas guitarras van a ir directamente a la tabla. No vamos a usar un amplificador. Vamos a distorsionar todo a la tabla para que suene muy inmediato y muy presente”. Cuando estoy en mi pequeño estudio en casa, no soy un gran ingeniero ni mucho menos; lo que para mí es fuerte y abrasivo es un juego de niños para John Congleton. Así que fue capaz de tomar todos los elementos crudos y realzarlos de una manera que los hizo casi incómodos de escuchar.

Escuchar esa canción en el contexto del disco es especialmente genial, ya que viene justo después de la primera, “I Don’t Know How I Survive”. Si quieres hablar de canciones que te despiertan… esa es una de las que creía saber a dónde iba y, de repente, se convierte en algo totalmente distinto. Espero que la gente la escuche con auriculares, como hice yo, y tenga ese mismo momento de sentarse en el asiento.

Sí, le envié el disco a un amigo cuando lo terminamos y su primera respuesta sobre esa canción fue: “¡Vas a conseguir que la gente te diga que les debes dinero por sus altavoces!”. Porque en esa canción también, la idea era como, “OK, entiendo esto. Esto es Death Cab, ¿verdad? Partes de guitarra con mucho cuerpo, una pequeña caja de ritmos…” y luego te da una bofetada en la cara.

Y todos nosotros estábamos tan sincronizados. Cuando Chris [Walla, original guitarist for Death Cab for Cutie, who left the band in 2014] estaba en la banda y producía los discos, por supuesto que podíamos hablar un lenguaje similar. Pero también había momentos en los que teníamos ideas muy diferentes de cómo debían ir las cosas. Y por supuesto, los discos que Chris hizo para nosotros serán los discos en nuestra lápida. Son los discos que todo el mundo ama, y eso es por una buena razón. Hizo un trabajo jodidamente increíble con ellos. Pero al trabajar con John, me sentí como, “Oh, Dios mío, puedo hacer referencia a quecanción de Slint de hace 25 años y sabrá de qué estoy hablando”. Y creo que no es necesario que te guste la misma música para hacer buena música juntos, pero después de nueve discos en los que a veces me costaba explicar lo que tenía en mente, que alguien lo entendiera inmediatamente fue realmente gratificante y una nueva experiencia para mí.

El consenso que he visto sobre “Foxglove Through the Clearcut” es que puede ser ya una de las mejores canciones de Death Cab. Imagino que ese tipo de reacción debe sentirse muy bien después de haber hecho algo que es algo arriesgado, con los versos hablados. ¿Puedes contarme cómo surgió esa canción?

Bueno, en primer lugar, es agradable escuchar eso. He estado en las montañas durante los últimos tres días cuando salió la canción. Así que el hilo de texto de la banda decía: “Parece que a la gente le gusta la canción”. Yo estaba como, “Impresionante”. Pero me gusta escuchar eso de ti, un periodista. Es una buena sensación.

Esa canción tuvo un viaje interesante. A finales de los 90 y hasta principios de los años 80, hacía todas mis demos en un cuatro pistas. Antes de la pandemia, estaba digitalizando todas esas cintas maestras, volcando todos los masters de cuatro pistas en Pro Tools para poder tenerlos para la posteridad. Y me encontré con esta pieza instrumental que había escrito en 1997 o a principios del 98, que era básicamente el vampiro que se convirtió en “Foxglove”. Tenía la parte de la batería, el bajo y mi parte de guitarra. Y me dije: “Vaya, me gusta. Me recuerda a lo que escuchaba en esa época, como Slint o Aerial M o Shipping News”. Así que decidí poner en bucle esa sección de cuatro compases, y mi demo original se construyó a partir de ese vampiro.

Y por la razón que sea -no sé si es que me recordaba a Slint o si tenía en la cabeza “Belong” de R.E.M.- empecé a pensar: “Nunca he hecho una canción en la que sólo hable”. Fue increíblemente liberador pensar en contar una historia como si estuvieras contando una historia, no estás cantando una historia. Me encontré en este espacio de la cabeza escribiendo los versos que estaba en algún lugar donde nunca me había encontrado antes.

Fue sólo después de que este disco estaba completamente hecho que yo estaba como, “Oh, Dios mío, eso es yo. Estoy escribiendo sobre mí mismo”. Como dice el refrán, contenemos multitudes, ¿verdad? Me sentía como si me observara a mí mismo desde lejos, pero la persona sobre la que escribía era también una gran parte de lo que yo era. Y eso puede parecer un poco hippie o pretencioso, pero cuando finalmente me di cuenta, fue increíblemente abrumador para mí porque nunca… Normalmente, cuando escribes algo, eres consciente de quién es el sujeto o tienes una visión en mente de sobre quién estás escribiendo o la amalgama de una serie de personas de las que estás creando un personaje. Pero sí, no puedo esperar a tocar esa canción. Se siente como una parte catártica en el disco y ciertamente como parte del show en vivo.

¿Qué pasa con el resto de la lista de canciones para esta gira? ¿Te limitarás al nuevo disco o sacarás algunas viejas canciones de Death Cab de la bóveda, como hiciste para tu gira? acoustic quarantine livestreams?

Definitivamente estamos volviendo al catálogo y sacando algunas cosas que no hemos tocado en un tiempo. Creo que lo que resulta difícil es que muchas de esas canciones de los dos o tres primeros discos, ciertamente hay segmentos de la base de fans que las aman. Y a mí también me encantan. Pero lo que nos cuesta ahora -y es un problema realmente bueno- es que tenemos muchas canciones que siento que tienen tocar. Y no lo digo como si fuera una carga. Es un honor, es un privilegio, que estas canciones hayan sido tan acogidas por la gente que ama a la banda.

Siento que como fan de la música, siempre quiero que los shows sean los grandes éxitos para la gente que ama la banda y no necesariamente una oportunidad para que la banda… No sé. Si tienes canciones que la gente ama, tócalas, carajo. Nunca he entendido que la gente se ponga a hacer el tonto o se avergüence o se oponga a tocar la música que la gente viene a escuchar. Dicho esto, también tenemos un nuevo disco y queremos asegurarnos de poder representarlo. Así que tenemos tal vez dos o tres canciones en un conjunto de 24, 25 canciones que pueden profundizar mucho en el catálogo. Es difícil ir mucho más allá de eso sin conseguir un montón de caras en blanco.

Eso tiene sentido. No quieres que la gente se amotine por no escuchar “Soul Meets Body”. Además, durante esos livestreams de la cuarentena que hiciste, me encantó tu cover de “Bones Are the Money” de I Think You Should Leave. Y luego hiciste que Tim Robinson tocara esa impresionante video de audición de Zoom para The Postal Service. ¿Qué posibilidades hay de que haga un cameo en la tercera temporada de I Think You Should Leave?

Oh, Dios mío. Si puedes poner esto en el mundo, eso me haría el hombre más feliz del planeta. Estoy completamente obsesionado con ese programa. Me encanta Detroiters. Me encantaba cuando estaba en SNL. Cuando se estrenó la segunda temporada, mi mujer y yo la vimos entera y al final nos sentimos como si estuviéramos locos. Porque es mucho lo que se te viene encima. Es tan absurdo y crujiente e incómodo.

Y me encuentro volviendo a ese programa… Probablemente he visto esas dos temporadas al menos 20 veces, y nunca se me hacen viejas. Es un poco exagerado decir que un programa de comedia de 15 minutos tiene mucha profundidad, pero tiene un tipo de profundidad muy específico que se revela a sí mismo cuanto más lo ves. Es como mirar un Ojo Mágico o algo así, ¿no? Al principio, sólo parece un montón de líneas y luego, cuanto más lo miras, más se te revela.

¿Cuál es tu sketch favorito de todos los tiempos de ese programa?

Oh Dios, eso es difícil. Hombre, parece que siempre está cambiando. Pero creo que podría ser el de la casa embrujada, en el que dice “¿semen?” Como, ¡¿qué coño?! Lo que es tan increíble en ese sketch específico es que tienes a este tipo que piensa que decir lo que quiera significa que puedes desplegar una puta avalancha de obscenidades sobre un grupo de turistas que esperan. Pero entonces es como ver a alguien volar. Al final del sketch está entrando en su coche y su madre le dice: “¿Has hecho algún amigo hoy?” Y es como, “¡Oh, Dios mío!” Es divertido, pero también es tan desgarrador. Porque la forma en que está escrito, te ríes de esta persona que está completamente fuera de sintonía con la sociedad educada. Pero luego, de una manera extraña, al final del sketch, ves la humanidad de este personaje.

Y creo que eso es lo maravilloso de ese programa y de lo que hace Tim Robinson, es que es capaz de hacer eso. Y, por último, porque puedo hablar de esto todo el día, es que me encanta el casting del programa. Hay otros programas de sketches y comedias que no voy a nombrar, en los que parece que hacen un casting para guiñarte el ojo y decir: “Mira a este puto friki”. Y lo que me gusta de I Think You Should Leave es que el reparto es tan diverso en edad, raza y género. Y nada de ello se centra en el sentido de la palabra. Es un mosaico maravilloso de personas y rostros y tipos de cuerpo. No puedo pensar en otro programa que sea así.

Eso es muy cierto, nunca lo había pensado de esa manera. Bueno, estoy manifestando una aparición en la tercera temporada para ti. Creo que sería genial.

Vi una broma del Día de los Inocentes muy jodida en Instagram en la que alguien había puesto una cosa que decía: “Temporada 3 de I Think You Should Leave que llega en junio”. Y una vez que la gente se dio cuenta de que era el Día de los Inocentes, fue como, wow, jódete, hombre. Eso no es nada bueno porque sabes lo mucho que la gente ama el programa.

¡Qué cruel! Bueno, definitivamente se ha anunciado que la tercera temporada se hará, en algún momento, así que eso es algo bueno.

Sí, eso es lo que he oído. Cuando salga necesito despejar algo de tiempo y simplemente existir en su mundo durante un par de días.

Esta entrevista ha sido editada y condensada para mayor claridad.